Luego de la retirada de nuestros metaleros ocurrió un episodio curioso que sólo demostró una mala organización del evento. A modo de ¨ homenaje al Rock Nacional ¨, subió al escenario el solista Carca para interpretar  clásicos del rock de este país. Con imágenes de Pescado Rabioso y Manal en las pantallas, este guerrero del mundo alternativo y casi un miembro más del grupo Babasónicos tocó clásicos del flaco Spinetta y No Pibe de Manal frente a un público orientado al metal. Como era de esperarse se tuvo que ir al tercer tema en  medio de insultos fuertes y chiflidos.

Entonces, luego de un intervalo: el primer plato fuerte de la jornada. Los norteamericanos Korn toman la cancha por asalto con su Nu Metal durísimo y angustiado. Arrancaron con Right Now de uno de sus últimos discos y siguieron con una seguidilla de canciones fuertes, duras y que instaban a volverse loco. A.D.I.D.A.S. , Falling Away From Me, Faget y Freak On A Leash fueron ovacionadas entre otras por un público que oscilaba los 22 años de edad y les venían esperando desde el fallido intento de banda de tocar acá en 2002. Mechando el estribillo de We Will Rock You de Queen en uno de los temas y con un frontman de primera que también toca la gaita, cerraron el show con  la canción origen de la banda y todo el metal de los noventa: Blind. Retirados del escenario luego de catorce temas, Korn saldó su cuenta con el público argentino.

Pasadas las 22 y con las luces encendidas se escuchó una voz familiar salir por los parlantes y la imagen del ex cantante de Black Sabbath se veía en escenografías de películas y series modernas de esta década. Haciendo el payaso le sacó muchas risas a los presentes para luego con las luces apagadas darnos la bienvenida a su oscuro y pesado show. Ozzy Osbourne, el señor que decapitaba palomas y murciélagos se hizo presente en el escenario y comenzó su espectáculo con su último hit I Don´t Wanna Stop. Este hombre de casi 60 años corre y se emociona como el público, en el cual no faltó algún metalero de la vieja época que escuchaba a Ozzy desde un disco de vinilo y no gracias a la MTV. Para ellos Ozzy les mostró el trasero y les regaló la seguidilla de temas que siguieron: Bark At The Moon, Suicide Solution y Mr. Crowley. No faltaron temas de Black Sabbath para que Ozzy demostrara que no sólo es el padre de familia del reality show The Osbournes , sinó también el padre del metal como lo conocemos. Las elegidas fueron la lo largo del recital fueron sólo tres, pero bien escogidas: War Pigs, Iron Man y Paranoid. Fue con esta canción con la cual cerró el show frente a un público exhausto de tantas horas de riffs demoledores y volumen asesino.

ORÍGENES  

Kiss se formó en 1973 cuando el conjunto neoyorkino Wicked Lester incorporó al guitarrista Ace Frehley a su formación. Wicked Lester era un grupo más de Nueva York en los que estaban la mitad de los miembros que fueron parte de Kiss en la totalidad de sus 35 años de vida: Gene Simmons (bajo y voz) y Paul Stanley (guitarra y voz). Luego de varios intentos frustrados de obtener éxito en su proyecto, Gene y Paul encuentran en la Rolling Stone un aviso sobre un baterista ofrecido llamado Peter Criss. Lo incluyen en Wicked Lester para tornar su rock hacia un costado mas duro, acorde a la otra banda de Nueva York que estaba haciendo estragos en sus presentaciones dentro de mugrosos antros: The New York Dolls. Algunos meses mas tarde, con la llegada de Ace, el grupo se rebautiza Kiss en nombre de una  canción de los Dolls. Ace también le crea el logo al grupo con la letra ¨S¨ en un estilo derivado de las runas, lo que lo asemeja con la insignia SS nazi. Fue más por casualidad que por neonazismo. Igual luego el logo de la banda fue alterado en las portadas de discos para ser aceptado por el mercado alemán. Es ya en esta época cuando luego de utilizar maquillaje y disfraces en sus anteriores shows, deciden adoptar un disfraz personal acorde a un personaje en particular. Gene se convierte en el ¨Demonio¨, Paul en el ¨Chico Estelar¨ ., Ace en el ¨Alien¨  y Peter en el ¨Felino¨. Su primer show con el nuevo nombre fue en enero de ese año en un tugurio de Queens llamado The Popcorn Club con sólo tres espectadores. A los tres meses un director de televisión conocido les ve en un concierto y se ofrece como manager. Para fines de año les consigue un contrato con la recién creada compañía de discos Casablanca Records. En febrero de 1974 sale su primer disco titulado simplemente Kiss. El álbum es un conjunto de canciones de hard rock muy elemental con ganchos pegadizos y contenía futuros clásicos del conjunto: Strutter, Deuce y Cold Gin. Sin ser un éxito y con su primer tour por los E.E.U.U. logran aparecer en diversos programas de televisión en donde impactaron a las audiencias con sus estrafalarios maquillajes. A fines del mismo año publican su segundo LP (Hotter Than Hell) con el que ven aumentadas levemente sus ventas. Los tours siguieron en 1975 con más y más gente llenando estadios para ver el circo en el que se habían convertido sus shows. Gene sacando su desmesurada lengua, escupiendo fuego y sangre artificial mientras tocaba poseído su bajo. Paul saltando con su guitarra y extrayendo suspiros de las chicas, mientras Ace desplegaba su virtuosismo por sobre los otros músicos en su guitarra a la hora de los solos. La guitarra de Ace explotaba con chispas y humo mientras tocaba furiosamente a la vez que la batería de Peter se elevaba sacando chispazos por los aires. Eran puro ¨ sexo, pirotecnia y Rock N´Roll¨ (las drogas eran solo para Frehley).   

APOGÉO

Luego del tercer álbum (Dressed To Kill) el conjunto decide plasmar la energía de sus shows en vinilo, para lograr aquello que el material de estudio no podía. Kiss Alive! sale a fines del 75 y es todo un ganador: llega al cuádruple platino y les proporciona su primer simple exitoso. La versión en vivo de ¨Rock And Roll All Nite¨ entra al Top Forty norteamericano y con aquello ven la llegada de ganancias para el grupo y Casablanca Records quienes estaban al borde de la quiebra. Con el siguiente disco, llamado Destroyer, son producidos por Bob Ezrin (produjo The Wall de Pink Floyd) y obtienen un sonido más pulcro y elaborado con muchos arreglos, que los alejan de la crudeza de los anteriores trabajos. Editaron la que se considera su obra maestra y un verdadero clásico del Rock. Detroit Rock City y Shout It Out Loud son las gemas del vinilo y verdaderos standards del repertorio del grupo. Pero el secreto del éxito del LP se encontraba en la canción menos característica del sonido Kiss, y encima era cantada por su baterísta: la balada Beth. Con este gentil lento entraron al Top Ten yanqui y elevaron las ventas del LP para llevarlo al platino. Terminan 1976 con más giras (ahora mundiales), objetos varios para la venta con la imagen del grupo y el álbum nuevo Rock N´Roll Over.  La mercadotecnia que se comercializaba a esa altura era sorprendente: Muñecos, pinballs, kits de maquillaje, radios, etc. Nunca se había visto tanto furor por parte de adolescentes por memorabilia de un grupo desde los Beatles. La guinda de la torta comercial fue puesta el día en que Marvel Comics se asoció con el grupo para crear una serie de comics basados en sus personajes (cuenta la leyenda que el primer ejemplar de la historieta fue escrita con la sangre de los miembros de la banda mezclada con tinta).  En 1977 eran el grupo que más facturaba en los Estados Unidos junto con los Eagles y editan su segundo testimonio en vivo: Alive II. Love Gun, su sexto LP de estudio, sigue los parámetros de ventas anteriores y en 1978 hacen una movida muy particular.  A mediados de aquel año se editan cuatro Longplays con los trabajos solistas de cada miembro, ya que todos cantaban en la banda. Vendidos bajo la etiqueta Kiss., Gene, Paul, Ace, Peter, si bien fueron discos de transmisión, tuvieron buenas ventas e inclusive uno de los trabajos (el de Ace) tuvo un hit con la canción New York Groove. La otra parte de la movida fue plasmar sus imágenes de caricaturas como superhéroes en la película ¨ Kiss Meets the Phantom of the Park¨ (Kiss contra los fantasmas se la conoció por acá), en donde quedaron muy mal parados a la hora de actuar mientras el guión del film derrochaba berretismo. Así y todo al año siguiente sacan el álbum Dynasty, el cual contiene el tema por el que son mundialmente reconocidos (y un clásico total en el imaginario colectivo de este país) : I Was Made For Lovín You. La canción en cuestión fue la mezcla de Hard Rock con música Disco que era tan típico de los grandes grupos de la época. En Norteamérica fue un éxito moderado, pero en Australia y Sudamérica fue titánico. Gracias a esa canción, en Argentina fueron puestos en una discutida rivalidad con Queen en 1980., cuando se trataba de comparar inútilmente el ¨Dinastía¨ de los Kiss con ¨El Juego¨ de los Queen.  

DECLIVE 

Para 1980 las  tendencias estaban en pleno cambio (el Punk y la siguiente movida New Wave estaban en furor) y en la música rock y pop predominaban los sintetizadores y los pelos cortos, nada que ver con cuatro tipos disfrazados y maquillados con el pelo largo. Unmasked es el último trabajo en donde Peter Criss figuró (sólo en el video promocional de Shandi), pero la batería fue tocada por un sesionista. Mas tarde fue Eric Carr contratado para golpear los parches. Las ventas del disco fueron desastrosas y eso los llevo a replantearse que hacer en el próximo álbum. El siguiente LP fue de tono conceptual y se llamó Music From The Elder, con lo que no lograron otra cosa que desorientar a los fans y fue un fracaso total. Fue un fiasco al punto tal de no hacer una gira en soporte del disco por primera  vez en su carrera. Ace Frehley aprovechó la disminución del éxito para retirarse del grupo y en su reemplazo fue contratado Vinnie Vincent. Con él grabaron su vuelta a las raíces del Hard Rock que fue el disco Creatures Of The Night. Comercialmente fue un fracaso, pero artísticamente con los pasos de los años y en comparación con el total de álbumes del grupo se le adjudica ser uno de los mejores. En 1983 y ya en lona financiera hacen lo que nunca antes se hubiera creído posible: se sacan los maquillajes para promocionar el próximo LP. Antes de eso fue imposible verles los rostros verdaderos ya que se negaban a tocar o dar entrevistas sin quitarse el maquillaje. Lick It Up siguió la línea hard de su antecesor, pero ya desde la tapa con sus rostros al descubierto se notó el cambio en la banda. Fue mejor promocionado que los anteriores álbumes y repuntó las  ventas del grupo. Es de destacar que fue en esta época cuando se rumoreó que la banda tocaría en La Bombonera en Buenos Aires, lo que llevo a una leyenda en la cual alguien cercano al gobierno militar (que acusaba a la banda de matar pollitos en escena, una falacia total) iba a detonar una bomba en la cancha de Boca el día de la presentación del grupo. La década de los 80 siguieron su curso y Kiss fue editando un disco cada 2 años con ventas mediocres pero giras millonarias. Hubo varios cambios de integrantes, pero el dúo Simmons/Stanley siguió firme. Para fines de la década se había puesto de moda el género Hair Metal   que hizo alarde de rock duro, escándalos, spray de pelo y Power Ballads de dudoso gusto (preguntar por Bon Jovi). Todos estos conjuntos nuevos (Poison, Motley Crue, Winger…) tenían ventas de discos y entradas millonarias y le debían su forma de encarar la música a Kiss. Al ser vanagloriados por estos nuevos grupos, la banda cosechó más éxito ahora que en los últimos años. El renacimiento se vio reflejado por una popularidad inesperada en Inglaterra (con el tema Crazy Nights de 1987) y en los Estados Unidos con la balada Forever del álbum Hot In The Shade del 89. En 1991 muere su baterísta Eric Carr de cáncer el mismo día que Freddie Mercury, lo que hizo quitarle importancia al evento. Al año siguiente graban uno de sus mejores discos en años (Revenge) que los devuelve a un sonido muchísimo más pesado que el estilo Hair Metal que venían haciendo.   

EL REGRESO DE  LOS 4 FANTÁSTICOS  

A mediados de los 90 una nueva tendencia se había puesto de moda en la televisión. El concepto del concierto Unplugged craneado por MTV estaba logrando que viejos y nuevos músicos levantaran plata con una pala (preguntarle al Sr. Clapton si quedan dudas) y Kiss no pudo faltar al intento. La gracia del recital no sólo era escuchar clásicos de la banda en formato acústico, sino el verlos juntos nuevamente con Peter Criss y Ace Frehley como invitados para tocar. El recital fue un éxito, limó viejas asperezas entre los miembros originales y probaron suerte en lanzar una gira típica de la clásica formación como exactamente veinte años atrás con maquillajes incluidos. En 1996 emprenden la maratónica gira regreso y es un éxito total. En marzo del 97 tocan en River por segunda vez (la primera fue en 1994), pero esta vez con maquillaje. Con los bolsillos llenos otra vez editan en 1998 su nuevo material de estudio en 6 años (sin contar Carnival Of Souls que eran sobras de unas sesiones de 1994-5) que se llamo Psycho Circus. Si bien el LP tuvo buena repercusión en el ranking yanqui entrando en el número 3 del mismo y presentando (aunque no en un 100 por ciento) a la formación original del grupo, rápidamente cayo el volumen de ventas.  

HOY 

Para el nuevo milenio Kiss no grabó ningún disco de estudio y sólo se concentró en girar por el mundo, grabando algunos de sus conciertos para CD y DVD. En 2003 editan su IV disco en vivo de las series Alive: Alive IV (con The Melbourne Symphony Orchestra de Australia), en la que adaptan sus clásicos a una orquesta acompañante como hicieron Metallica unos años atrás. Siguieron los cambios de integrantes en estas giras del siglo XXI cuando se fueron Ace y Peter, para ser reemplazados por Tommy Thayer en guitarra y Eric Singer en tambores (quien ya había participado de varias giras y grabado en Revenge). Gene Simmons tomando el ejemplo de Ozzy Osbourne participa de varios reality shows como Rock School (dando clases de rock en una típica escuela conservadora inglesa) o Gene Simmons´ Family Jewels (donde nos muestra su vida en familia al estilo The Osbournes ).  Sin nada nuevo que ofrecer y con sólo su espectáculo único en su género, Kiss promete para este 2008 una nueva gira (van como 3.000 hasta ahora) titulada Kiss Alive (35 World Tour). El pretexto del tour es el trigésimo quinto  aniversario del conjunto y arranca el 16 de marzo en Australia. Hasta ahora solo hay fechas para Oceanía y Europa, pero se especula fuertemente fechas para Estados Unidos, Asia y Sudamérica para lo que queda del año. Los esperaremos pintarrajeados para la ocasión.    

El origen de esta música hay que buscarlo en primer lugar en el Soul que venían realizando la comunidad negra norteamericana a fines de los 60, tanto como en los boliches de gays y latinos de ese país a principios de los 70 que bailaban ritmos latinos como la salsa o el merengue. Fue la hija directa de la fusión entre el Funk, generado a su vez por el Soul, combinado con los estribillos más Pop y pegadizos de la música hecha por blancos.  Se podría considerar como prototipo de canción Disco al éxito que tuvo Isaac Hayes (futuro chef de los chicos malcriados de South Park) con su himno al wah-wah llamado Shaft de 1971. Hayes había sido hasta entonces un músico negro interesado en explorar el  nuevo género craneado por James Brown y que era una fija en la comunidad negra de los 70: El Funk. Su tema principal de la película Shaft, que era un típico largometraje policial que abrazaba los ideales de la comunidad negra, fue un sonido bastante novedoso hasta el momento incorporando una combinación de orquestas, coros femeninos y una letra casi hablada., sobre una batería y bajo     fulminante, a la que una guitarra escupía mas wah-wahs que el Voodoo Child de Jimi Hendrix. Por otro lado en Filadelfia a comienzos de esa década, un grupo de compositores y productores de música Soul competían con el sonido del sello Motown de Detroit creando una orquesta llamada MSFB. Esta orquesta que era utilizada para grabaciones de artistas del sello creado por estos productores, registró en 1974 otra piedra fundamental del género: la canción T.S.O.P. (siglas de The Sound Of Philadelphia),  que se disparó al  número uno del ranking norteamericano y le hizo poner la atención al público del norte que  no podía encontrar una  música con la cual bailar sin tener que prestar atención a los arreglos o las letras. 

Para 1975 las discográficas mas grandes estaban  interesándose por este engendro de  funk orquestado y comenzaron a pulir a  sus artistas de funk para lograr un sonido más cristalino y bailable, que ocultara la rudeza que estos tenían. Esta tendencia sumada a el ascenso de los nightclubs entre no sólo sus habitúes más radicales sino entre la gente   común, aceleró el proceso de popularización  del Disco. Artistas de los cuales nadie había oído hablar antes editaban simples con esta música que endemoniaban los pies con más frecuencia y conseguían éxitos instantáneos. El rol de los productores y compositores era a veces más importante que quien cantaba. La cuestión era conseguir a algún vocalista negro para salir en la tapa del LP, que los hombres detrás de las perillas se encargaban del resto. Algo supuestamente aberrante para cualquier fanático del Pop o el Rock que buscara un artista con el cual identificarse. Fue gracias a esto y al estilo de vida hedonista sin profundidad al que hacían    referencias las letras los que le generó al Disco una importante cantidad de críticos que lo llevarían a su temprano ocaso. Por otro lado si bien Europa sentía las influencias de este estilo nuevo (grandes productores europeos como Giorgio Moroder o Cerrone actualizaron este sonido con la ayuda de secuenciadores como base para sus producciones),  el Disco no terminaba de pegar. Para 1977 era sin lugar a  dudas el género dominante en  la escena   norteamericana con luminarias como Barry White, Chic,  Kool  & The Gang, EWF, KC and the Sunshine Band o la reina indiscutida: Donna Summer. En este mismo año una   película de muy bajo presupuesto, con una   trama aburrida y con  un actor completamente desconocido arrasó la taquilla cimentando el género en absolutamente todo el mundo. Era ¨ Fiebre de sábado por la noche ¨, un film que catapultó a John Travolta como estrella y que musicalmente recuperó a  tres tristes tigres que se hacían llamar Bee Gees. El film  contaba   la historia de un chico blanco neoyorquino (Tony Manero) que era el rey de las discotecas los fines de semana. La banda de sonido   de esa película continúa 31 años después siendo la banda sonora más vendida de la historia con un popurrí   de artistas en sus surcos que van desde los Bee Gees con la mayoría de los temas, sumándole a varios grupos y solistas  exitosos de la época. En lo que quedaba de la década  el estilo se desparramó entre los artistas más respetados del Rock & Pop,  quienes se dieron cuenta que combatir al enemigo no era una buena idea y llevaron  sus melodías rockeras a la pista de baile. Gente como los Rolling Stones, Queen, Rod Stewart, ABBA, Kiss o la Electric Light Orchestra editaron simples sospechosamente bailables que llevaron a popularizar el estilo en lugares lejanos como la Argentina. Es en este país donde lamentablemente se asocia a Tony Manero, la bola de espejos y el piso de cuadrados iluminándose con el aberrante golpe militar que se llevaba a tu vecino en un Ford Falcon mientras vos bailabas Ultimo Tren A Londres  o I Will Survive. Ya no sólo la música Disco estaba en los   rankings radiales y discotecas de todo el mundo, sino   que su estilo de vida sexualmente inadaptado y frívolo se volvía peligroso con la cantidad de cocaína que se consumía para ¨liberarse¨ en la discoteca y el origen del Sida que estaba a la vuelta de la esquina. El boliche más famoso de entonces (Studio 54) en Nueva York era un mar de gente del jet-set transpirando uno al lado del otro, quitándose los restos de polvo de la nariz y mostrando decadencia y travestismo a más no  poder. Hasta se creó un grupo de hombres de sexualidad dudosa que cantaban sobre ser ¨ el más macho ¨: Village People. Esta la guinda de la torta Disco, con sus aspectos caricaturescos y homosexuales.   

Con este decadente panorama el chiste se estaba terminando y se sumaban las críticas de sus detractores quienes hasta hicieron  una quema pública de LPs de música Disco en el entretiempo de un  partido de baseball en Chicago en 1979. Aunque para  1980 el estilo no estaba extinguido totalmente, éste había  sufrido importantes cambios. En 1976 el productor italiano Giorgio Moroder editó un simple llamado I Feel Love en el cual Donna Summer cantaba hipnóticamente sobre beats secuenciados, dándole origen a la música Tecno. Por otro lado la instrumentación de futuros éxitos bailables    dejaba de ser con instrumentos reales para darle predominio a los sintetizadores. Todos estos cambios en la forma de componer y en el sonido generado fue la   transición  entre la música Disco de los 70 y el Pop y   el Dance de los 80. Para 1982 todo había terminado y hasta los payasescos  Village People intentaron cambiar el look a un  estilo más acorde a los artistas de los 80. El género aunque tuvo fuertes adversarios en su momento, tuvo en los años siguientes a su desaparición una incontable cantidad de artistas de otros estilos  que lo defendieron a  muerte o lo expresaron a través de su música. El Pop de los 80 con Duran Duran, Michael Jackson y Madonna a la cabeza le deben la vida a gente como Chic. El Hip-Hop yanqui toma pedazos de viejos hits Disco como samplers para rapear encima. En los 90 bandas como Jamiroquai reciclaron viejos grooves para adaptarlos a esos tiempos. Y ni   hablar  del Tecno o artistas bailables de la década pasada  como Crystal Waters. En este nuevo siglo se puede hablar de un  resurgimiento en artistas de Electro-Clash como Fisherspooner o los radiables Scissor Sisters.  Mientras haya una bola de espejos y una base funky a la cual moverse, siempre estará el espíritu inquieto de Tony  Manero.    

Con estas sabias palabras nos cantaba un tal Johnny Rotten (Podrido) allá por 1976. ¿Porqué el odio? ¿A que se debe esa furia?

La explicación se puede encontrar en la palabra Punk, la cual se utilizó para designar a un movimiento musical, estético y cultural originado en países anglosajones en la década del 70. Probablemente se asocia este nombre a un conjunto de tipos haciendo ruido con sus instrumentos y portando unos cortes de pelo en punta que paralizarían a la abuela. Pero es mucho más que eso. Muchísimo más.

 ORÍGENES

Para trazar una línea de origen de este género hay que remontarse a comienzos de los 70, o aún más atrás en el tiempo, en los 60. Hubo en la época dorada de los Beatles, un género derivado del Rock llamado Garage Rock que se originó en diversas ciudades norteamericanas y tuvo como principal exponente a una banda llamada The Kingsmen. Estos tipos tuvieron un hit que sería una base para los sonidos de tres acordes característicos del punk, ese hit se llamaba Louie Louie , mientras del otro lado del océano The Kinks  hacían algo similar y lo llamaron You Really Got Me. Eran canciones con una melodía básica, no muy elaborada y excesivamente ruidosa gracias a los filosos riffs que emanaban de sus guitarristas. La década del 60 culminó con la psicodélia y el blues-rock a pleno, pero algunas bandas de lo que se podría categorizar como Proto-punk comenzaban a tomar forma. Por un lado los MC5 que provenían de Detroit sacaban su álbum debut en 1969, mientras que The Stooges (también de aquella ciudad) editaban su primer LP en aquel año. Es en estos últimos de donde sale Iggy Pop o mejor dicho el ¨ padrino del punk ¨. Ya en los tempranos 70 otros conjuntos norteamericanos como The New York Dolls o The Modern Lovers tocaban un Rock N´ Roll extremadamente sucio y cargado de adrenalina que contrastaba con los sonidos imperantes de las radios yanquis a cargo de artistas como The Carpenters o Elton John.

En el Reino Unido la gestación se manifestaba por el lado del llamado Pub-Rock con Dr. Feelgood a la cabeza. Mientras tanto Australia tampoco se quedaba atrás y conjuntos como The Saints o Radio Birdman generaban el contexto perfecto para que en sólo unos años más en este país alejado de casi todo se diera un importante chispazo punk.

El nacimiento del término punk como género es muy difícil de rastrear. Si bien esa palabra se usaba para designar a hombres de dudosa moral desde hacía años, fue el  crítico Lester Bangs quién la utilizó por primera vez para describir a Iggy Pop. Fue la creación del fanzine yanqui Punk en 1975 lo que popularizó el nombre. 

Para mediados de los 70 la crisis del petróleo ocurrida pocos años antes hizo que las economías fuertes de Estados Unidos e Inglaterra tuvieran graves problemas que (en el caso de  los  ingleses particularmente) se hicieron sentir con un alto desempleo. Esto  llevó a que muchos jóvenes se sintieran excluidos del sistema, a lo que se le sumaba que el viejo y querido Rock N´Roll ya no representara la rebeldía y juventud que ellos necesitaban. Para esa época el género dominante en lo musical  era el Rock Progresivo, que hacía alarde de ser complicado y hecho a medida  sólo para virtuosos del instrumento. Las canciones de las bandas más populares de ese movimiento no hablaban de la vida cotidiana o de gobiernos corruptos e impotentes. Las letras de grupos progresivos como Yes, Genesis, ELP o King Crimson hacían referencias a otros mundos, el espacio exterior o eran simples expresiones sin mucho contacto con la vida real. Todo esto sumado al status de millonarios-codeandose-con-el-jet-set que adquirieron artistas  estrella del momento (Rod Stewart, Mick Jagger, Paul McCartney, Elton John y sigue la lista) irritaron a adolescentes y no tanto que decidieron hacer ellos mismos la música acorde a esos tiempos. Era el nacimiento de la ética DIY (Do It Yourself) o el ¨ hacelo vos mísmo¨, que sería el slogan de no sólo la cultura punk, sino de la subsiguiente cultura alternativa.

Fue en Nueva York , más exactamente en un antro llamado CBGB en Manhattan, dónde las primeras bandas punk empezaron a pulirse. Este recito llamado universalmente el ¨ Hogar del Punk ¨ vio nacer a conjuntos clave del fenómeno: The Ramones, Blondie, Talking Heads, Television y The Patti Smith Group. Era un lugar sucio, húmedo y casi arruinado, pero que sirvió de hábitat para estos grupos nuevos que venían a borrar con lo establecido y disparar canciones cortas y directas a un público ávido de algo diferente de lo que las radios y disquerías les ofrecían.

En Inglaterra la explosión punk fue mucho más teatralizada y no tuvo un centro común. Varías ciudades como Londres, Surrey o Manchester tuvieron sus grupos de punk que germinaban sin parar. El momento bisagra del punk inglés fue con la edición del simple Anarchy In The UK por los Sex Pistols a fines de 1976. El grupo en cuestión era más el producto de un empresario con pocos escrúpulos llamado Malcom McLaren que el de unos jóvenes novatos. Este empresario (que tenía una debilidad por escandalizar a la gente) era dueño de una tienda de fetiches sexuales llamada SEX en Londres , que era a la vez su centro de operaciones como manager de diversas bandas de rock. Si bien ya había intentado ser manager de The New York Dolls, en 1975 conoce a unos chicos ruidosos que se hacían llamar The Strand. Al año siguiente, con la chispa del punk ya encendida en el circuito underground de la isla, McLaren decide ponerle un cantante nuevo a ese conjunto de inadaptados y entra en escena Johnny Rotten. Con un nuevo nombre (Sex Pistols) y un contrato con la compañía EMI, lanzan su primer simple en donde Rotten canturrea su simpatía por un estado anárquico y la gente comienza a prestarles atención por lo chocante que resultaban estética y musicalmente. Pelos erizados, remeras deshilachadas, alfileres de ropa como aritos era la nueva forma de vestirse., en contra de los cánones de la época en donde los pantalones acampanados y las melenas largas eran la tradición.

Al año siguiente se conmemoraban los 25 años de la asunción al trono de la Reina Isabel y los Pistols se encargaron de saludarla cordialmente con la edición de tema God Save The Queen a cargo del sello Virgin, porque ya habían sido echados de los sellos EMI y A&M. A fines del año anterior aparecieron en un programa de invitados emitido por la BBC en la que drogados y borrachos discutieron con el conductor del mismo (se cree que también él estaba borracho como buen viejo inglés) y emitieron los primeros insultos fuertes en un programa de televisión. Obviamente salieron en todos los diarios espantando al inglés conservador y fueron un tema candente en los medios durante 1977, a lo que se le sumó un arresto por querer presentar su espectáculo prohibido en Londres sobre el río Tamesis.

Para 1978 el punk había sido absorbido por las grandes multinacionales y empezaba a transformarse en las corrientes musicales que serían moneda corriente en la siguiente década como la  New Wave , el Dark, o el comúnmente llamado Post-Punk. En los Estados Unidos su mutación se dio en terrenos más veloces y duros como el Hardcore y sus derivados hasta nuestros días. Aún así a mediados de los 90 hubo un renacimiento del típico punk de tres acordes con la explosión en las radios y  MTV de conjuntos de Pop-punk como Bad Religion, Green Day, Offspring, y más adelante Blink 182.

Criticado en sus comienzos y deglutido por los medios después, este género que supo expresar rebeldía contra el sistema en sus primeros años tuvo a la larga una descomunal influencia en los géneros del Rock y el Pop de las últimas tres décadas. El movimiento Grunge norteamericano de principios de los 90 abrazó muchas formas de desenvolverse musicalmente y artísticamente aprendidas del punk. El Britpop inglés que le sucedió al Grunge en popularidad en los 90, también estuvo influido por el punk de los 70.Hoy en día el cuestionado Emo también le debe la dosis de adrenalina y rapidez a los  Sex Pistols o Buzzcocks, aunque solo sea el refrito del refrito.       

La reivindicación del pop anglosajón se impuso en  Liniers el pasado viernes por la noche.  Fue una velada especial para los amantes de las buenas melodías y el rock de estadios con las presentaciones de Starsailor, Travis y The Killers en el estadio de Velez Sarsfield (también River sintió y coreó su versión latina en esas horas con Soda Stereo). En ese mismo orden, ellos se presentaron con un set de una hora cada uno y bajo el marco del Festival Yeah! para sacudir a unas 10.000 personas. En medio de un año cargado de festivales (Pepsi Music, Quilmes Rock…) este se vivió como una versión nacional y pequeña del Glastonbury inglés.

Fue un comienzo casi puntual a las 20.10 con los británicos Starsailor quienes arrancaron con una gema de su primer álbum llamada Poor Misguided Fool, y luego descargaron su artillera de Glum – Rock (Rock llorón) muy de este nuevo siglo con Coldplay a la cabeza. Tuvieron un muy coreado final con su versión dance de Four To the Floor que hizo del festival un link  hacia el próximo Creamfields con toda la gente bailando y saltando.

Los escoceses Travis surgieron de la oscuridad al ritmo del tema de Rocky y vistiendo las camisetas de Argentina, para arrancar con un corte de su último disco (Selfish Jean) y mas adelante deleitar a la audiencia con su gentil pop-rock-melancólico que desborda en estribillos épicos. Un final a todo trapo con Why Does It Always Rain On Me?  demostró que el rock sensible tiene su nicho en éste país.   

Y entonces el acto final: desde Las Vegas y con el polvo del Pueblo de Sam  en sus zapatos aparecen The Killers. El conjunto yanqui que se gestó (según su biografía) en concierto de Oasis allá por el 2002 nos invitó a Sam´s Town, que es su último disco con When You Were Young como primer tema. El conjunto se mostró con los temas bien afilados y certeros. Con sólo dos discos en su haber, no se  pudo impedir que se hayan tirado hits tan perfectos como Bones, Somebody Told Me, Mr. Brightside o Read My Mind., cantados por un frontman que se estudió de memoria el capitulo ¨como moverse en un escenario frente a una multitud ¨ escrito por Freddie Mercury.Su líder y vocalista- tecladista Brandon Flowers parece una extraña mezcla entre el difunto miembro de Queen, mezclado con el Robbie Williams mas rockero y con un aura sombría del lider de Depeche Mode, Dave Gahan.  De estos últimos toman la predilección por los sintetizadores mezclados con guitarras rabiosas y la estética que se emiten por las dos pantallas laterales. Desde aquellas se pueden ver imágenes de The Killers tomadas por el grán fotografo del rock Antón Corbjn, quien manejó en cámara de foto o de video a los mencionados Depeche y a U2.    Cuando ya estábamos llegando a una de la mañana arranca el tema final y es (como no podía ser) All These Things That I´ve Done, poniendo al estadio en euforia al llegar al verso final del mismo, que bien puede definir a esta juventud del siglo 21 con las guerras preventivas de los Estados Unidos y ese sentimiento de caos mundial: ¨I´ve got soul, but I´m not a soldier…¨ (tengo alma, pero no soy un soldado). Luego de casi cinco horas de rock alternativo de la mejor cepa, pasaron tres conjuntos de tres partes diferentes entre si a excepción del idioma, que tal vez definan perfectamente a este nuevo rock para estadios que también es vástago directo de U2.